化学兄弟乐队的演出现场
从今年愚人节开始到7月26日，伦敦的设计博物馆将会以一副夜店面孔出现——其新展“电子音乐：从发电厂乐队到化学兄弟”闪亮登场（如假包换的“闪亮”——展方提示：展览包含强光频闪画面，不适合癫痫患者及12岁以下儿童参观）。
化学兄弟乐队演出现场
展览标题中提到的发电厂乐队（Kraftwerk），是于1970年在德国的杜塞尔多夫成立的一个传奇。创始团员Florian Schneider和Ralf Hütter，还有稍后加入的Wolfgang Flür和Karl Bartos，带领这支乐队，从新浪潮（New Wave）到Hip Hop，再到Techno，在电子音乐的每个发展阶段都是顶级的存在感，深刻地影响着20世纪末的流行乐。而化学兄弟（The Chemical Brothers），是Tom Rowlands与Ed Simons于1989年在英国创立的乐队。20年来战绩彪炳，在全球各地累计的唱片销量已突破千万，各种排行榜冠军自不必言，还有四座格莱美奖。显然，这是一场聚焦电子音乐文化发展历程的展览。
发电厂乐队演出现场
虽然作为一个设计博物馆来呈现以音乐为主题的展览，在逻辑上有点牵强，但正如该展的策展人杰玛·科廷（Gemma Curtin）所言，对于电子音乐来说，“声音只是这个故事的一部分：这种音乐已经形成了线上和线下生态，让音乐技术大众化，并且提供了一个自由表达的安全空间。”超过400件展品被分为四个部分：Man and Woman Machine、Dancefloor、Mix and Remix，还有Utopian Dreams and Ideals。设计博物馆还特别邀请来法国电音制作人洛朗·加尼耶（Laurent Garnier）为展览定制背景音乐，通过音乐、灯光、互动装置、VR设备、3D影片等等手段，打造360度的多感官沉浸式体验。
发电厂乐队演出现场
具体地说，观众们可以见识到20世纪中叶以来的电音先驱者们，比如杰夫·米尔斯（Jeff Mills，美国DJ、唱片制作人以及作曲家）和达芙妮·奥拉姆（Daphne Oram，英国作曲家、电子音乐家）等人的创作，以及创造这些曲目的革命性乐器。
对音乐技术的探索是电子音乐发展中的重要环节。其实早在20世纪初，意大利钢琴家及作曲家费卢西奥·布索尼（Ferruccio Busoni）就预言：“我几乎认为在这新的伟大音乐里，机器也将会变得必要，并且会在里头分配到一定的角色。也许，工业也将会在艺术境界的提升上占有一定的地位。”展览上除了可以看到TR808和Moog 55这样的经典合成器，还有法国音乐家Christian Clozier在1975年制作的电音声音扩散系统、创意团队1024 architecture的CORE声敏装置，以及法国电子音乐家让- 米歇尔·雅尔（Jean- Michel Jarre）的工作室以及BBC的无线电音工坊的虚拟重现。
声音反应式视觉装置
而正如化学兄弟所言：“设计是增强现场表演体验的重要元素。”——有相当数量的电音作品除了用来“听”，更是用来“跳”。视觉亦是本次电音展的重头戏。无论是关于发电厂乐队还是化学兄弟，展览现场都有让观众身临其境的体验：一段30分钟的3D秀是为了庆祝发电厂乐队成立50周年，而化学兄弟的恢弘现场也在亚当·斯密（Adam Smith）马库斯·莱尔（Marcus Lyall）（这对搭档一直以来都是化学兄弟的御用VJ）的再创作下，在一面巨幅LED屏上得到了重现——据说灵感来源于化学兄弟那张备受推崇的迷幻风专辑《No Geography》。有知情人士剧透说，从这个展览看来，鼻祖级的发电厂乐队似乎确实很适合在博物馆这种庙堂空间里展出；而化学兄弟呢，可能更适合在泥泞的乡村田野里，手里拿着罐啤酒，边喝边嗨。
化学兄弟乐队的现场影像
除了这两位大神，展览中还有伦敦的视觉设计师Weirdcore为英国电子音乐人Aphex Twin最新的EP《Collapse》进行的视觉创作。Weirdcore善于将艺术家脑海中的“怪诞”具象化。自整个20世纪90年代和21世纪初期，他的荒诞视觉美学活跃在伦敦各种音乐节和派对上，是许多电音人的知音。他与Aphex Twin的合作始于2009年，从此在世界各大音乐节一发不可收拾。
电子音乐与艺术、设计、时尚，甚至社会的关系也是本次展览探索的领域。英国观念、视频以及装置艺术家，特纳奖得主杰里米·戴勒（Jeremy Deller）在自己的纪录片作品《所有人在此：1984-1992年不完整的英国历史》(Everybody in the Place: A Incomplete History of Britain 1984-1992)探讨了Rave和Acid house对20世纪80年代英国的文化意义。片中贡献了一些罕见的电音历史档案材料，并为抗议运动、非法仓库Rave狂欢、80年代的享乐主义、撒切尔主义政治、新自由主义的兴起以及英国退欧等等划清了道道。
.Jean Michel Jarr的虚拟工作室
以大画幅建筑和风景照而闻名的德国摄影师安德烈亚斯·古尔斯基（Andreas Gursky）的作品也会出现在该场展览上。这个狂热的电音迷在20世
纪90年代拍摄了许多德国的Rave狂欢派对，比如每年在杜塞尔多夫举办的Union Rave。古尔斯基的作品以上帝视角将人群的动态描绘成一个集体的身体，仿佛与音乐的能量融合。他在2016年的时候还与英国电子音乐家里奇·霍丁（Richie Hawtin）在纽约的高古轩画廊进行过一次抽象表现主义与techno的合作。此外还有英国平面设计师彼得·萨维尔（Peter Saville）为电子音乐而进行的封面视觉创作——他本人也是英国独立厂牌Factory Records的联合创始人。
杰夫·米尔斯（Jeff Mills）的超自然服装
显而易见，从纽约到巴黎，从莫斯科到里约热内卢，电子音乐带来的演出狂欢和夜店文化令全球各地的人们对其痴迷不已。因此除了严谨的学术派陈列和不可或缺的现场音乐，设计博物馆还将柏林、芝加哥以及底特律的夜店舞池带到了伦敦。
“我们的展览希望通过人、艺术、设计、技术和摄影，以及唤起人们的夜店体验，来一起捕捉和塑造电子音乐景观。”这便是设计博物馆本次展览的寄望。
