试着回答一下，先贴维基百科，因为英文版阅读确实不容易，我自己翻译了一下。
爵士是从拉格泰姆开始算到现在--百年以上的历史--非常难以定义，人们试图使用其他，好比欧洲古典和非洲音乐的观点去解读爵士乐，但是critic joaachim认为他的定义和标准应该更加广泛，他将爵士定义为：“在美国由黑人音乐和欧洲音乐对流而形成的的一种音乐形式。”
并且认为爵士不同于欧洲音乐，因为具有“一种与摇摆乐有着特殊联系”，并且“是一种自发而且具有活力的音乐产品，归功于即兴的作用。”，同时还包括“一种既浑厚又充满礼节的方式使得不同的爵士演奏者各具特色”
一个更加宽泛，能够包括所有分支的定义被tracis Jackson提出，他声称：“爵士包括了摇摆，即兴，集体互动，独唱，而且有接纳更多音乐的可能性。”krini Gabbard提出了一个爵士定义的概括，认为爵士是一种体系，只要有那么一群人坚持一样的传统来命名他。相对于评论员和某些类型的爵士爱好者作出的努力，希望缩小爵士乐定义中的种类，音乐家本身完全对定义他们演奏的音乐没有兴趣。Duke Ellington，极为知名的爵士演奏者，对这些观点的总结是：“反正他妈都是音乐。”
即便爵士乐难以定义，但是即兴肯定是爵士乐最重要的元素。而即兴的核心思想一般被认为来自早期一种影响力很大的音乐形式，蓝调，一种从非裔在种植园中歌唱的劳工号子里诞生的民谣。一般都是通过一种反复问答的形式组成小节，但是早期布鲁斯依旧非常即兴。尽管对于欧洲古典音乐来说演奏者只是重复作曲家的意志，但还是允许谨慎的改动一些旋律伴奏。而相对的，爵士乐的特征则是群体的创意，合作以及互动，由创作者和演出者一起贡献不同的音阶和长度。一个技巧高超的演奏者的曲调会有浓厚的个人风味，从来不会将某个曲调重复演奏。根据演出者的状态和个人经验，在和其他音乐家甚至观众互动是，他们会根据个人喜好改变切分，旋律与和声。
对即兴的开发对于音乐史的影响是巨大的，早期的迪克西和新奥尔良爵士中，演出者反复演奏主旋律，其他人即兴演奏复调。在摇摆乐时代中，大乐队更加偏向于重复编排过的音乐，所谓编排既不是指写下来也不是记下来的，只是一种个人即兴时遵循的规则。后来在bebop中注意力则回到了小组和缩短编排上，仅在开头和结束的地方有过安排，核心部分则是依靠几段即兴来完成。更加未来的风格，比如现代爵士，放弃了严格的和旋相继概念而更加放松，只需要一早给定的音阶和调式，看情况演奏即可。很多爵士表演中独奏者只需要一段旋律支持，即可借题发挥的完成整段独奏。在先锋派和自由爵士的观点中，独奏和乐队的分离减少了，为此，甚至放弃部分和旋和乐段都是可以的。
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然后是个人理解分割线
要点一：即兴
个人认为，爵士乐与其他音乐区分开来的本质原因便是由于即兴元素。可能你会问，爵士乐的“独特旋律”才是我们辨认它最直观的方法不是吗？我们怎么从唱片中得知它是否即兴？况且，是否即兴对于乐曲是否好听有必然联系吗？我的答案是，即兴行为所带来的不确定性和多变性对爵士乐的编曲和演奏形式都造成了极大的影响，使得演奏者必须依靠对于某一段旋律的反复变奏和对一个调式的把握，不断的演奏出几乎毫无“重复性”的音乐。对，爵士乐展示的是一种自由的美，它所崇尚的便是在高难度的solo中展示出乐手横溢的才华，或者在重奏中对于节奏和音节无间的默契配合。
如果你对爵士乐有过一定接触，你会发现即兴的痕迹无处不在：许多欣赏者抱怨过爵士乐让他们最为不适的一点就是音符和旋律非常杂乱，无法像流行歌曲那样找到一个朗朗上口的”基调“（最典型的，Bill evans的Autumn leaves，在爵士乐迷心中，这首曲子极为丰富的故事性和巧妙节奏的演绎简直令人词穷；但是对于其他流派的爱好者来说，这首歌却突然变成最为不友好的一支），茫茫的混乱，乐器轰隆作响，除去演奏单簧管的黄毛小伙和高挑的女钢琴手给人留下了深刻影响之外，爵士乐可以留下的也就只有一些逼格和小资情调，而这毫无疑问是很悲哀的。
理解即兴最好的方式无疑是自己试着在键盘上啪嗒两下（我为了啪嗒那么两下练习了半年，熟读唐三百，下笔如有神，大概就这么个意思）。其实音乐演绎往往是伴随理性的过程，特别是在没有乐谱的时候--任何一位乐手都会准备好一些拿手的段子和连续爬音，通过反复练习和设计，合理的融合在表演中。（我想没有谁会比Art tatum的曲目更适合说明这点，你可以选出他的任意两首曲目，然后对比其中是否具有相似的桥段）某些名家的镇台好戏也会被争相模仿，久而久之便形成了某些即兴的定式。
问题说回来，许多听过大乐队或者练习过爵士乐的人也会提出疑问，爵士乐也是有谱子的，甚至有很严格的规定--虽然相较于古典音乐放松许多。在这里我们谈下即兴的一些基本要求，虽然从头到尾即兴也是一种大无畏的勇气（但是观众不会买你账的，除非你是邓紫棋），但完全没有旋律，便失去了作为”曲目“的基本标准了--要”可流传“，并且”再演绎“。一般来说，爵士乐的演奏具有大致的编排--在Arrangement的规定下，会在曲目进行到了某一部分后就开始即兴，一般的形式是先演奏曲头，然后开始乐器的即兴solo，在数种乐器轮换之后回到主旋律，或者每次在solo之前都重复基调（其中比较有典型性的，比方说Osacr Peterson的Nigerian marketplace，我相信你现在已经明白了，为何观众会在演出到三分之一处时鼓掌）。这就像是即兴演讲的人必然会事先准备一部分内容，缓冲一下自己的灵感。但在爵士乐发展的许多时期中，好比大乐队和摇摆乐流行的年代，即兴还没有达到爵士之魂的境地--严格的编排和小段的即兴solo作为演出中的开胃小菜，更容易被广大观众接受。
要点二：摇摆感
谈到摇摆感，肯定就会涉及到摇摆乐，虽然其实两者并不相同。美国的三十年代--swing era，摇摆时代，将这种音乐形式以及所谓的”摇摆节奏“变成了一种经典的概念流传了下来，并且获得了极为广泛的欢迎；同时有一点很重要，摇摆感比爵士乐本身要亲和许多，因此也成为一把打开爵士大门的钥匙。而对于何为摇摆感这个问题，显然不能单单用“一种平均的四四拍子一路打到黑“来解释。为了加强感性理解，我用旧版猫和老鼠打个比方--其中几乎所有的配乐，都带有非常标准的摇摆感。（如需要进一步加强直观认识，你可以挑选Benny Goodman的one O’clock jump欣赏，结论会很快得到的）一直以来作为爵士乐入门的途径以及被资深人士向往的经典，如果说即兴是爵士的心，那么摇摆至少是爵士的脸。
有人认为摇摆是指那种“听了会想让人翩翩起舞”的感受，这似乎和“gangnam sytle 当中的节拍正好与心脏的跳动频率一致”之类的说法有相通之处。Swing手法很大意义上受到了早期Ragtime影响，所以非常注意节奏和稳定的，与稍后的cool & free Jazz完全不同。这点上swing作为慵懒的音乐，但演奏却必须异常的投入。爵士乐节奏组通常会使用一些手段，好比说用高频率轻轻敲打架子鼓能够制造非常优秀的节奏，使人的身体跟着不自觉的震颤；用手拨弹大提琴也是招牌式的的做法，你可以试着认真注意那些bass（我将其理解为bass，因为功能是相同的），看看他们是否和鼓点一样严格而富有规律性。
通过摇摆能够迅速建立爵士感，特别是在编曲方面--如果你说一首曲子具有爵士风味，那很有可能你说的就是摇摆感--摇摆某种意义上是非常“古典”的，由于受到了二十年代环境影响，所以其演绎也主要是由多人乐队完成，对于三重奏或者四重奏乐团这样更简洁明快的小乐团并不友好。这点非常有意思，因为爵士乐一直以来的目标就是能够与古典音乐平起平坐，当他们费劲心思组建规模庞大的乐队以制造“交响色彩”的时候，他们却更像是伴舞音乐。而当他们开始服从爵士本质上那种无拘无束的召唤以后，却真正的踏入了艺术的殿堂。那么摇摆感又是否可以理解为时代的笑料呢？恐怕不是，当摇摆之王Benny Goodman在1938年将爵士乐第一次带入卡内基音乐厅的时候，毫无疑问这证明了它雅俗共赏的特质。
词语三：布鲁斯风味
定义和熟悉蓝调恐怕不必爵士更加简单。虽然我们都知道蓝调发源于非洲音乐，但已经天差地别，严格来说更像made in US。由于爵士乐的地位在其诞生后的数十年间并没有什么改观，往往只有俱乐部和酒吧会接受，因而蓝调和爵士几乎成了时刻黏在一起的亲兄弟。话要说回1917年爵士乐的正式诞生，虽然听上去就像古典音乐和布鲁斯强硬的搅拌在一起的稀泥--或许这一举动的更大意义上是在与“黑人音乐“划清界限。但是这个愿望显然没有实现，对于切分节奏和即兴能力有着天赋的黑人很快又成为了爵士乐的主力军。这使得爵士乐也变得令人厌恶起来，二十年代的纽约，就有许多舞厅禁止演出爵士乐。但布鲁斯调式和招牌”蓝音“也就毫无悬念的流淌进了爵士乐的血脉中。
而谈到蓝调对于爵士乐的影响，新奥尔良则无法忽视。自从十九世纪开始，周日的刚果广场就是黑人音乐家的聚集地，大家合着拍子，用蓝调歌唱心中的烦恼，而这对于爵士乐的开创者们影响是极为巨大的。Louis Armstrong，Sidney Bachet，Jelly Roll Morton，这些来自十字街，斯托维里尔（新奥尔良最大的红灯区）的先驱们用他们最熟悉的乐器，短号，钢琴，将古典Ragtime的节奏和Blue note混合在了一起，打造出了最原始的爵士乐--这也说明了其实许多爵士艺人也是“兼职”演出布鲁斯的,比如说count Basie.
由于在短暂的时间内系统的讲诉蓝调非常困难，所以我们可以先得到一个大致的结论--由于布鲁斯也是现代音乐非常重要的组成部分，在上世纪五十年代由于爵士乐的艺术化，使得两者区分度增加--从另外一个侧面来看，爵士乐中所保留的布鲁斯基因，是非常复古而且原味的。而这恰好可以回答之前的问题--所谓带有爵士感的音符，正是蓝调辅佐而成的。
