卸腰。
逐条分析一下古典音乐与爵士音乐在各个方面的异同：
古典音乐演奏者阅读详细写好的谱子，每个音按照谱子上标明的去演奏。
爵士音乐演奏者阅读简略标明的谱子，只包含主旋律与和弦名称信息。
由于乐谱上强调的元素不同，导致古典出身的创作者会更加在乎每个声部去演奏哪些具体的音，而爵士出身的创作者相对只在乎乐器总体有没有演奏在正确的和弦上。同时，古典出身的编曲者在录入非钢琴乐器时，相对更习惯使用鼠标去点音符和画表情线，以追求对音乐具有更高的精确控制程度。由于爵士音乐存在大量即兴，本身具有一定随机性，爵士出身的编曲者在录入时会更加倾向于使用键盘演奏输入音符，以及通过旋钮推子录入自动控制。
古典音乐（交响乐）编制宏大，乐器为集体而服务，讲究整体协调性。
爵士音乐编制较小，各乐器独立性较强，讲究个性。
交响乐配器编制宏大，而各个乐器的作用没有那么强，因此古典背景的创作者在编曲上会有使用尽量多种乐器，而每种乐器的使用频率较低的习惯。相反，爵士背景的创作者会使用相对较小的编制，但对于每个乐器下更多的功夫。古典出身的人可能在一首歌中使用二三十种不同的乐器，而有的乐器只出现了几个音；爵士出身的人编曲可能只使用五六种乐器，但每种乐器贯穿始终。
爵士音乐的和声较为跳跃性，大量使用tension。
在需要对七和弦的和声进行丰富时，古典音乐中往往采用各种转位连接的方法，如德彪西《月光》中的柱式和弦段落：
而爵士音乐中往往采用将已有和弦增加251等方式，人为制造跳跃，一段很简单的流行歌曲和声能够被改编成这样：
同时在许多音一起出现，形成一个不和谐的音响时，古典与爵士的分析方法也不同。爵士和声中默认最低音为和弦根音，然后其他所有音与根音的音程关系对应组成和弦音或tension；古典调性功能和声中找出最突出的四个音组成一个七和弦，把其他音理解成和弦外音。这种理解音乐的不同方式也会影响创作者的思维。
古典音乐中的modulation比较普遍，而爵士音乐中的tonicization更加常见。
Modulation代表单向性的转调，不会回到原调，而tonicization代表双向性的临时转调，会回到原调。在古典出身的音乐人创作流行音乐时，转调往往出现在曲式中的关键位置并带有harmonic preparation，较为明显，也更加稳定；爵士出身的音乐人往往出现较随机的小转调，跳跃性比较强。
古典音乐的节奏更接近于pulsation，而爵士音乐的节奏是一个groove。
不管是巴洛克时期基于四部和声的chorale，还是斯特拉文斯基的《春之祭》，节奏都是最典型的pulsation，固定的时值出现音符，产生一种波形的感觉。而爵士音乐中，架子鼓的演奏更加随性，相对不具有固定的节奏。因此古典出身的音乐人会倾向于使用一个稳定的节奏，而爵士出身的音乐人使用的节奏往往比较花哨。
当然还有许多不同，有些答主有简略提到，我也不细讲了
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